“Mi objetivo es capturar las múltiples facetas del entorno laboral y social, manteniendo la autenticidad de cada historia individual y reflejando la complejidad de su vida cotidiana, incluyendo la lucha diaria y las dinámicas interpersonales.”
Sabemos que el proceso para capturar la vida de los trabajadores del distrito de Zhili le llevó más de cinco años ¿Cómo fue este proceso y cómo logró la confianza suficiente por parte de estas personas para poder filmar sin restricciones?
Mi primer viaje a Zhili fue en compañía de unas chicas que había conocido durante el rodaje de Three Sisters (2012) en Yunnan. Ellas iban a trabajar en la zona, y para mí, fue un proceso de adaptación y familiarización con un entorno desconocido. Las primeras imágenes que capturé se convirtieron en el documental Bitter Money. En cuanto a Youth, este proyecto requirió un enfoque mucho más meticuloso, con una extensa preparación, búsqueda de financiación y, sobre todo, un profundo conocimiento de la gente y sus historias. Conocer a las personas y sumergirme en sus vidas no solo enriquece la narrativa, sino que también añade una capa de autenticidad que es esencial en mi trabajo, llevó tanto tiempo porque realmente quería conocerlos y saber donde me encontraba.
¿y qué fue lo que inicialmente le llamó la atención como para comprometerse a filmar durante tantos años este sitio?
Al llegar a Zhili, lo primero que me impactó fue la atmósfera pesada y la evidente dificultad del trabajo. A diferencia de otras regiones de China, donde la población migrante trabaja en gigantescas fábricas controladas por el Estado y de difícil acceso para los cineastas, Zhili ofrece un contraste notable. Aunque también alberga a 300,000 trabajadores, su estructura fragmentada permite una mayor flexibilidad y acceso. Cada taller opera como una pequeña empresa privada, lo que facilita la entrada y la posibilidad de documentar sus realidades. La diversidad de espacios de trabajo me permitió explorar distintas historias, cada una reflejando una faceta diferente de la vida de los trabajadores migrantes. Pude filmar en varios lugares sin dificultad, aunque no todos estaban dispuestos a participar. En China, antes todo estaba centralizado, pero ahora el dinero controla el sistema. Los trabajadores son incentivados por cuánto producen, lo que los hace más fácilmente controlables.
Hay algo en la estructura de Youth que al no centrarse en ningún personaje en particular y constantemente seguir añadiendo otros, nos permite enfocarnos en la problemática del lugar y la experiencia generalizada ¿era la idea inicial cuando comenzó a filmar allí?
Sí, mi intención con Youth fue utilizar una estructura suelta y descentralizada para capturar la realidad fragmentada del lugar, tal vez solo sea en la primera parte. Aunque concentrar la acción en un solo personaje puede ofrecer una vista completa de su vida, a menudo es una ilusión que omite aspectos importantes. Prefiero un enfoque fragmentario porque refleja cómo son realmente las cosas: dispersas y complejas. Aunque no suscribo al concepto de una imagen colectiva, trato de respetar la integridad de cada persona en su contexto. No es una dispersión total, sino una forma de mostrar la riqueza y diversidad de experiencias sin aplanar a los personajes. Mi objetivo es capturar las múltiples facetas del entorno laboral y social, manteniendo la autenticidad de cada historia individual y reflejando la complejidad de su vida cotidiana, incluyendo la lucha diaria y las dinámicas interpersonales.
Siento que uno de los aspectos más importantes de la película es el sonido, o el ruido mejor dicho ¿cómo fue capturar esto y desde lo personal como lo sintió al momento de filmar?
El sonido constante y abrumador subraya el estrés y la intensidad del entorno laboral. Capturar esta cacofonía fue crucial para reflejar la realidad opresiva de los trabajadores. Personalmente, el ruido me envolvió, intensificando mi sensación de inmersión en el agobiante ritmo de vida que documentaba.
¿Cómo influyeron los escenarios en la estructura de la película, y cómo manejaste el exceso de metraje durante la edición?
La estructura de la película se formó gradualmente a medida que ampliábamos las ubicaciones: comenzamos en dos talleres, luego en cuatro, seguimos en los espacios donde vivían los trabajadores, y finalmente los acompañamos río arriba hasta sus hogares. Este enfoque determinó la estructura de los episodios y capítulos. Durante el rodaje, con tres cámaras y un horario agitado, me apoyé en mi memoria para la selección del material, eligiendo las secciones que recordaba con más claridad. La edición, iniciada en 2019, se complicó con la sobreabundancia de metraje; los episodios inicialmente de 40 a 45 minutos se redujeron a 20 a 25 minutos. La pausa forzada por la COVID-19 en 2020 permitió reevaluar y centrarse en el proceso de corte, priorizando la calidad sobre la cantidad.
Si bien Youth no trata sobre las políticas de restricciones familiares en China, hay una escena muy impresionante de la chica embarazada ¿cómo fue mostrar esto en la película y cómo fue la relación con esta chica?
La chica embarazada refleja de manera cruda y real la presión y las dificultades personales en medio del entorno laboral. Mostrar su situación fue importante para capturar la dimensión humana del trabajo en Zhili. La relación con ella fue respetuosa y cercana; logramos construir una confianza mutua que permitió capturar su experiencia auténticamente. Su historia, aunque no central en la trama política, ofrece una perspectiva conmovedora sobre las luchas personales dentro del contexto laboral.
¿Cómo equilibras los elementos políticos con las experiencias personales y emocionales de los personajes en tus películas?
Mis películas abordan diversos elementos, pero mi enfoque principal es en las vidas y destinos auténticos de las personas. Me interesa explorar la complejidad de nuestras experiencias individuales y cómo se entrelazan con nuestras emociones y circunstancias. Quiero centrarme en nuestras emociones, destinos, fortunas y desgracias para revelar la profundidad de la condición humana. Sin embargo, el dilema es que vivo y filmo en una sociedad políticamente sensible. Todos los que participan en mis películas están inmersos en esta misma realidad, por lo que no podemos separarnos completamente del contexto. Por eso, estoy en constante reflexión sobre cómo representar esta realidad de la manera más fiel posible.
¿Qué te permite mantenerte al margen del sistema comercial y preservar tu libertad como cineasta?
Inicialmente, no elegí escapar de los obstáculos comerciales y administrativos de manera racional; simplemente no me gustaba cómo el sistema en China convertía todo en propaganda. En el año 2000, noté una China llena de esperanza y traté de capturar esa sensación a través de mi propio estilo de cine. West of the Tracks refleja mis intuiciones y observaciones de esa época. Tras el éxito de la película y mi intento en el cine de ficción con The Ditch, me di cuenta de que en China todos los recursos están bajo administración estatal, lo que complica hacer películas de ficción. Por eso, desde 2010, me he centrado en el documental.
