Entrevista a Guido Montini, director de El estirón

El corto retrata con mucha sensibilidad una etapa muy específica, ese momento en el que uno está un poco perdido sin terminar de entender del todo lo que le pasa. ¿Qué referencias o experiencias tomaste para construir ese universo?

Pensaba mucho en una sensación de inadecuación que hasta el día de hoy sigo teniendo por momentos, y que tiene que ver con el “no estar a la altura” de aquello que se anhela. En los ojos de un niño, el momento previo a pegar el estirón, a ser finalmente un adolescente, es una promesa enorme de cosas increíbles que uno piensa que van a suceder, y hay algo un poco doloroso de todavía no haber llegado a ese momento, de que le esté llegando a otros y a vos no. Y de repente ya no sos un chico, sos un adulto y te pasa lo mismo. La gente alrededor tuyo empieza a lograr cosas, cosas que no son imposibles pero a las que vos todavía no llegaste o que por alguna razón se sienten lejanas, y uno vuelve a sentirse chiquito, como en aquel momento de la preadolescencia donde lo mejor está por venir, pero todavía no llega.

En tan poco tiempo lográs condensar muchas capas emocionales y narrativas. ¿Cómo trabajaste la síntesis para que todo eso conviviera sin saturar el relato?

Hubo dos instancias. En primer lugar, la escritura. Trabajar el guion en un taller fue clave; mis compañerxs me ayudaron muchísimo a tallar e ir al hueso de la situación narrativa. Llegué a quitar personajes, secuencias enteras, locaciones, y a concentrar todo en un par de escenas y acciones, lo que además me dio muchas facilidades en la producción. Y una vez que eso estaba cerrado, lo potenciamos en el guion técnico. Había que construir esas imágenes banales que pasan a imprimirse en la consciencia. Hubo un trabajo minucioso que hicimos con Joaco Pulpeiro para manejar las intensidades de la cámara en sintonía con la complejidad que manejaba el guion en sus distintos momentos. No era tan importante lo que los personajes decían, sino cómo la cámara captaba la distancia entre ellos y cómo, a su vez, la utilización de otro lente o el movimiento repentino de la cámara eran capaces de quebrar esa distancia y decir más que las propias palabras. Agrego una tercera instancia, que fue el diseño sonoro: con Josefina Chinni, la directora de sonido, nos permitimos jugar muchísimo con el metalenguaje y los momentos más lúdicos del guion, y pensamos el cortometraje como un intermedio entre un recuerdo y un sueño. No era tan importante transmitir lo que le pasó al personaje, sino cómo lo sintió.

¿En qué otros proyectos te encontrás trabajando actualmente?

Con mi socia lanzamos una productora que se llama Anhelo, y estamos desarrollando varios proyectos en paralelo, algunos de carácter multidisciplinario, otros de carácter documental, así que hay mucho de investigación mediante. Como director/guionista, debo admitir que soy muy disperso y siempre estoy trabajando con cinco ideas a la vez, pero creo que la que más está resonando en este momento es ese largometraje al que alguna vez perteneció El Estirón, pero que ahora también va tomando su propio color. Es un melodrama; estoy revisando un poco los grandes exponentes del género y trabajando una adaptación a los tiempos que corren. Tengo un proyecto de largo también que vengo escribiendo hace unos años, una especie de “prom movie” argenta, con todo lo que eso, contradictoriamente, implica, que escribí en mi último año de la FUC.